Dieses Thema setzte sich fort und intensivierte sich gegen Ende ihres Lebens dramatisch, als sich ihre eigene Gesundheit verschlechterte. Grafische Darstellungen von sich selbst, die Qualen erleiden, sind ein starker Einblick in ihre eigenen Kämpfe gegen körperliche Widrigkeiten und Schmerzen. Die gebrochene Säule, gemalt im Jahr 1944, ist ein Werk, das Kahlo kurz nach einer Wirbelsäulenoperation produzierte. Dies war nur eines von vielen medizinischen Verfahren, die sie im Laufe ihres Lebens durchmachte, um Probleme zu beheben, die die Folge ihres früheren Unfalls waren. Zum Zeitpunkt des Malens musste Kahlo ein Stahlkorsett tragen, im Gegensatz zu den Gipsabdrücken, die sie zuvor getragen hatte.
In dem Gemälde stellt sich Kahlo einer trostlosen und zerbrochenen Landschaft gegenüber, die ebenso viele Umwälzungen und Traumata durchgemacht zu haben scheint wie die Künstlerin. Sie hat einen tiefen und gezackten Riss entlang ihres fast nackten Oberkörpers, der es dem Betrachter ermöglicht, ihre Wirbelsäule als rissige und zerbrochene ionische Steinsäule zu sehen. Ihre Wirbelsäule scheint kurz vor dem Zusammenbruch zu stehen, besonders an der Basis. Nägel unterschiedlicher Größe durchbohren ihren ganzen Körper und ihr Gesicht und verstärken ihr Leiden. Tränen laufen frei und reichlich über ihre Wangen.
Kahlo malte sich ursprünglich nackt, abgesehen von dem gebänderten medizinischen Stützkorsett, das sie trägt, fügte aber später ein weißes, chirurgisch aussehendes Laken hinzu, um ihre untere Hälfte zu bedecken. Ihre Brüste sind entblößt und trotz der Verstümmelung ihres Körpers ist ihre Sinnlichkeit immer noch offensichtlich. Es gibt auch starke Anklänge an das christliche ikonische Martyrium in der Darstellung von Nägeln und Laken. Trotz der erlittenen Qual zeigt Kahlos Gesicht einen Ausdruck von Stärke und Trotz. Obwohl ihr Körper verletzt und gefoltert ist, ist ihr Geist offensichtlich noch intakt.
Die symbolischen Elemente dieses Gemäldes versuchen, die Künstlerin als völlig allein darzustellen, begleitet nur von den Schmerzen und Qualen ihrer Verletzungen. Andere Selbstporträts zeigen sie geschützt durch die Natur oder Freundschaft, aber ihr Hintergrund ist karg und sie steht allein da, mit einem düsteren Ausdruck. Es wird angenommen, dass diese Zeit in ihrem Leben von den Angelegenheiten ihres Mannes, des Künstlerkollegen Diego Rivera , beeinflusst wurde . Diese überlebensgroße Figur schien trotz ihrer offensichtlichen, tief verwurzelten Liebe zueinander unfähig zu sein, Frida treu zu bleiben. Dieser emotionale Schaden kam zu ihren bestehenden körperlichen Problemen hinzu, die sich aus erheblichen Problemen in ihrer Kindheit sowie einer schweren Verletzung um 1925 während einer Busfahrt ergaben.
Es wird angenommen, dass die in dieser Szene gefundenen Nägel darauf hinweisen, dass Frida von ihrem Ehemann emotional geschädigt wurde. "Estar clavado" im mexikanischen Spanisch bezieht sich darauf und bedeutet im Wesentlichen, dass man genagelt oder betrogen wird. Wir sehen auch Tränen aus ihren Augen, was wiederum auf diesen mentalen Schmerz hinweist, zusätzlich zu den offensichtlichen körperlichen Kämpfen, die die Künstlerin ihr ganzes Leben lang verfolgt haben. Hätte Kahlo ohne die Probleme, die sie zu Lebzeiten erlebt hatte, solch außergewöhnliche, ausdrucksstarke Kunst schaffen können? Vielleicht nicht. Kunst wie diese ist von ernsten Ereignissen inspiriert, die Emotionen hervorrufen, und nur die technischen Fähigkeiten allein würden nicht ausreichen, um eine Reihe von Gemälden wie diese zu produzieren.
Die gebrochene Säule ist eines der denkwürdigsten Selbstporträts dieses Künstlers, der dieses Genre mehr als jeder andere berühmte Künstler, an den wir uns erinnern können, genutzt hat, außer vielleicht Rembrandt, der es benutzte, um seine Finanzen über Wasser zu halten. Wenn Sie über dieses Gemälde hinausblicken, können Sie auch andere Highlights wie Zwei Fridas , Meine Geburt und Frieda und Diego Rivera studieren. Jede dieser individuellen Kompositionen hilft uns, ein stärkeres Bild von Frida Kahlos Persönlichkeit und Ansichten über ihr Leben zu zeichnen. Ihr Oeuvre ist wie ein Tagebuch ihres Lebens, das Angst, Emotionen und manchmal Hoffnung für die Zukunft ausdrückt.
Ein letztes symbolisches Element dieser Komposition ist der Lendenschurz, den Frida hält, um ihre unteren Regionen zu bedecken, vielleicht zu schützen. Es ist, als würde sie uns sagen, dass dies alles ist, was sie nach den Turbulenzen, die sie durchgemacht hat, noch zu geben hat. Sie bietet dem Zuschauer die Möglichkeit, über ihr Schicksal zu entscheiden, wenn Sie möchten. Es ist eine wirklich verletzliche Position, in der man sich befindet, und kann nicht anders, als den Zuschauer zu bezaubern und große Sympathie und Liebe für diese unglaubliche Frau empfinden zu lassen, die besonders hart getroffen wurde. Viele ihrer Probleme waren reines Pech, aber der Schmerz, den die Untreue ihres Mannes erlitten hatte, hätte vermieden werden können und fasst auch die Schwierigkeiten zusammen, mit denen viele Frauen in den letzten Jahrhunderten konfrontiert waren. Das waren die Zeiten, dieser Skandal trug wenig dazu bei, den Ruf ihres Mannes zu ruinieren.
Die zerbrochene Säule wird von vielen als Frida Kahlos wichtigstes Gemälde angesehen. Es ist kaum eine Szene vorstellbar, die ihre innere und äußere Zerrissenheit besser einfängt und gleichzeitig die Gründe dafür liefert. Dies wiederum ist zu einem der am besten recherchierten und analysierten Kunstwerke ihrer Karriere geworden und bleibt eines der wahren Highlights der beeindruckenden Sammlung des Museo Dolores Olmedo Patino in Mexiko-Stadt. Das Originalgemälde ist 40 cm hoch und 30,7 cm breit und ist Öl auf Leinwand, die auf Masonite montiert ist. In einer Zeit, in der die Rechte und Chancen von Frauen besonders relevant sind, wird das Leben einer solchen Ikone wie Frida Kahlo noch genauer unter die Lupe genommen. Tatsächlich wird ihr Gesicht mehr denn je auf Werbetafeln und in den gedruckten Medien zu sehen sein – es ist, als hätte ihr Vermächtnis gerade erst begonnen, seinen Einfluss zu hinterlassen.
